Mário de Andrade liderou a Semana de Arte Moderna

Por conta dos 90 anos da Semana de Arte Moderna, realizada em fevereiro de 1922 no Teatro Municipal de São Paulo, resgatei da estante o livro ‘A lição do amigo: cartas de Mário de Andrade a Carlos Drummond de Andrade’, uma compilação da correspondência redigida entre 1924 e 1945, até dois dias antes da morte de Mário, que foi o principal articulador da histórica semana que mudou a maneira como as artes eram produzidas no País.

A literatura registrada em cartas é conhecida como gênero ‘epistolar’ e a obra de um escritor nesse formato é chamada ‘epistolografia’. No caso de Mário de Andrade, esse gênero é fundamental para a compreensão de suas ideias, afinal, foram publicados nove volumes reunindo esses textos, que ele redigia com afinco e desprendimento.

O livro é importante também porque foi com Drummond que o escritor paulistano teve sua mais intensa troca. Na apresentação, Drummond afirma que a produção epistolar começou tão logo a dupla travou amizade: “Estabeleceu-se imediatamente um vínculo afetivo que marcaria em profundidade a minha vida intelectual e moral, constituindo o mais constante, generoso e fecundo estímulo à atividade literária por mim recebido em toda existência”.

Quando a correspondência começou Drummond contava 22 anos, era um escritor iniciante e Mário, do alto de seus 31 anos, com a bagagem da Semana de 22 e a publicação de ‘Há uma gota de sangue em cada poema’ (1917) e ‘Pauliceia desvairada’ (1922), dava conselhos ao amigo que na época morava em Belo Horizonte.

Assim, logo nas primeiras cartas, Mário analisa algumas poesias enviadas por Drummond, dando sugestões para aprimorar os textos. Esses conselhos representam um achado, porque são raros os momentos em que os escritores abrem seus segredos de composição, como, por exemplo, quando Mário sugere eliminar artigos de algumas frases para reforçar a presença do substantivo.

O livro mostra um Mário de Andrade espontâneo, de linguagem fácil, sem pretensões em seu texto, afinal, ele não tinha ambição de ver suas cartas publicadas ou, às vezes, contraditoriamente, deixava esse desejo se manifestar. Mas a decisão de publicá-las ocorreu por seu valor para o pensamento literário no País. Há muitos momentos de reflexão, e o leitor poderá entender as motivações do modernismo: “O que nós todos queremos (o que pelo menos imagino que todos queiram) é obrigar este velho e imoralíssimo Brasil de nossos dias a incorporar-se ao movimento universal das ideias”, afirma, referindo-se ao modernismo entre os artistas europeus. Mas para isso era preciso ser nacionalista, ou criar identidade com a cultura do brasileiro: “Nacionalismo quer simplesmente dizer: ser nacional. O que mais simplesmente ainda significa: Ser.”

A lição do amigo: cartas de Mário de Andrade a Carlos Drummond de Andrade,

Mário de Andrade, editora Record, RJ, 1988, 272 págs.

Onde encontrar: www.estantevirtual.com.br

Fonseca influencia as novas gerações de escritores

Com a proliferação dos festivais literários, a imagem do escritor se tornou tão importante quanto sua obra. A profissão passou a seguir o receituário de marketing das editoras, em que a imagem é condição para o sucesso da produção do autor.

Mas é óbvio que para o escritor a relação entre obra e imagem não é algo fácil, ou resolvido. Muito menos para Rubem Fonseca, que com ironia e genialidade aborda essa questão no conto ‘Romance negro’. Segundo Karl Erik Schollhammer, professor de literatura na PUC Rio e autor do livro ‘Ficção brasileira contemporânea’ (editora Civilização Brasileira), ‘Romance negro’ é um texto chave para conhecer o escritor.

Fonseca renovou o cenário literário brasileiro nos anos 60, quando publicou seu primeiro trabalho, a antologia de contos ‘Os prisioneiros’. Com um estilo realista e inspirado no submundo do crime e da violência, trazendo ao público o ponto de vista de prostitutas, bandidos e outros segmentos excluídos da sociedade, a obra de Fonseca foi batizada de ‘brutalismo’. Desde então, ele é um dos escritores que mais influencia as novas gerações.

Em ‘Romance negro’, Fonseca revisita o conto ‘Assassinatos na rua Morgue’, do escritor norte-americano Edgar Allan Poe (1809-1849), que com esse texto fundou o gênero do romance policial moderno, que desenvolve a narrativa com base na investigação de vestígios do crime para descobrir o assassino. Esse método reforça a ideia de que não existe crime perfeito, já que é impossível apagar todos os rastros.

O protagonista de Fonseca é um escritor norte-americano, chamado Peter Winner, que participa de um festival literário internacional na França, dedicado ao romance e ao filme policial. Ao falar ao público, Winner realiza uma inversão da estrutura do gênero, desafiando o ouvinte: “Neste crime perfeito, todos saberão logo quem é o criminoso e terão de descobrir qual é o crime e quem é a vítima”, afirma, apresentado-se em seguida como autor do tal crime.

Esse jogo dentro da estrutura do romance policial permite que Fonseca coloque em questão o conflito entre a imagem do escritor e a obra, o que acontece também sob influência do leitor, que no conto toma o lugar do escritor para dar continuidade à sua produção. Mas isso não é tudo. O texto de Fonseca é híbrido entre prosa e ficção, sendo, além de uma história policial, uma reflexão sobre o gênero que está no centro da narrativa, trazendo referências literárias e filosóficas, o que o torna ainda mais interessante.

Romance negro e outras histórias,

Rubem Fonseca, Companhia das Letras, SP, 1992, 188 págs.

Foto: Zeca Fonseca/Divulgação

Hunter S. Thompson era personagem insólito dos textos que produzia

O leitor sabe que, por trás de uma notícia, existem muitas vezes interesses e comprometimentos com um ou outro lado da história. Tanto isso é verdade que de tempos para cá surgiu a expressão ‘Partido da Imprensa Golpista (PIG)’ para denunciar esse desejo incontido de derrubar o governo ou atingir a imagem da política custe o que custar.

Mais honesto mesmo seria abandonar a objetividade e assumir que uma cobertura jornalística é algo que também conta com motivações interiores. Esse foi o mote do escritor e jornalista Hunter S. Thompson (1937-2005) para fazer seus livros, escritos com a fúria de quem tem uma percepção aguçada do mundo e se coloca como personagem de suas narrativas.

O mais famoso de seus títulos, ‘Medo e delírio em Las Vegas, uma jornada selvagem ao coração do Sonho Americano’, reporta uma história maluca do jornalista Raoul Duke, alter ego do escritor, cobrindo a Mint 400, uma das maiores corridas off-road do mundo, ao lado de seu advogado, o Dr.Gonzo, um samoano cuja raça é alvo de preconceito dos americanos.

Thompson publicou sua história em 1971, em capítulos, na revista Rolling Stone. Em 1998, o texto virou filme, com os atores Johnny Depp, como Duke, e Benicio Del Toro no papel de Dr. Gonzo. Thompson é criador do que se chamou de jornalismo gonzo, um texto em que a ficção e a realidade se fundem ao sabor da subjetividade do autor.

Para ir de Los Angeles para Las Vegas, a dupla aluga um conversível vermelho e enche seu porta-malas com drogas: “Tínhamos dois sacos de maconha, 75 bolinhas de mescalina, cinco folhas de ácido de alta concentração, um saleiro cheio até a metade com cocaína, e mais uma galáxia inteira de pílulas multicoloridas, estimulantes, tranquilizantes, berrantes, gargalhantes…”.  Além disso, eles tinham também bebidas.

A investida da dupla com esse arsenal pelas ruas de Las Vegas é um verdadeiro contrassenso, um disparate, visto que a cidade é polo do pensamento conservador nos Estados Unidos. Na entrada de Las Vegas, um aviso diz: “Não aposte na maconha! Em Nevada, posse: 20 anos; venda: prisão perpétua!”

O mergulho insensato no mundo do jogo e do dinheiro torna-se assim um fator de paranoia constante. O conflito entre a droga e a realidade distorcida pelos valores que dominam em Las Vegas faz com que os dois amigos vivam suas loucuras em fuga, sem prazer e sem qualquer bom senso ou lógica. Essa jornada de pessoas fora de padrão em um lugar tão intolerante como Las Vegas mostra o quanto o sonho americano tem de impiedoso e autoritário.

Medo e delírio em Las Vegas, uma jornada selvagem ao coração do Sonho Americano,

Hunter S. Thompson, ilustrações de Ralph Steadman e tradução de Daniel Pellizari, editora L&PM Pocket, RS, 2010, 220 páginas.

Foto: Divulgação

Alcântara Machado se inspirou na vida dos cortiços

A influência da cultura italiana na miscigenação do povo da cidade de São Paulo no início do século 20 é mostrada na televisão vez ou outra, mas sempre de um ponto de vista único, carregado de uma linguagem sem variações.

No caso da literatura, o traço singular dos italianos naquela época está registrado com humor nas 11 crônicas de ‘Brás, Bexiga e Barra Funda’, livro de estreia do escritor e jornalista António de Alcântara Machado (1901-1935), ligado à primeira fase do modernismo.

O título é de 1927 e com ele Alcântara Machado fez fama, trabalhando em diversas redações e em parcerias com Mário de Andrade e Oswald de Andrade – com este último, ele fez a ‘Revista de Antropofagia’, um dos expoentes da cultura modernista.

Para o escritor João Antônio (1937-1996), que é mestre da crônica urbana, “a obra ficcional de Alcântara Machado continua a ser a melhor visão urbana já obtida sobre a década de 1920 e uma das mais válidas penetrações que o escritor urbano brasileiro já desenvolveu nesse território específico”, afirma em um texto chamado ‘Literatura urbana: isso existe?’.

João Antônio diz que Alcântara Machado poderia ter explorado mais o potencial dramático das histórias, mas sem questionar a contribuição de sua obra para a literatura urbana no País, ao lado da produção de Mário de Andrade. Esse gênero literário é uma vertente que passa por alguns períodos de falta de expressão na história. Isso aconteceu por conta do predomínio da abordagem regionalista, que explorava a verve do homem nordestino, e da linha de investigação psicológica, que chegou a seu auge com Clarice Lispector.

Ao estilo de um gozador bonachão, Alcântara Machado se inspira na vida dos cortiços e do futebol na cidade e monta retratos caricatos, que reduzem a tragédia ao cômico, como a história de Gaetaninho, que morre atropelado por um bonde depois de sonhar com a morte da tia.

O espírito modernista da obra está na forma como a linguagem é articulada. As crônicas são mostradas não com uma visão abrangente, mas por fragmentos, recortes que o autor busca na vida cotidiana. As histórias são introduzidas não por um prefácio ou um prólogo, mas por um ‘artigo de fundo’ no qual o escritor fala de suas motivações. “Estes contos não nasceram contos: nasceram notícias”, afirma.

Tipos que Alcântara Machado identifica em suas crônicas até hoje se reproduzem na sociedade. Por isso, alguns de seus personagens são protótipos de personalidades que ocupam o imaginário popular, como por exemplo, as namoradas dos jogadores de futebol. No livro, o conto ‘Corinthians (2) vs. Palestra (1)’ explora a ação contraditória e conveniente de Miquelina, que namora o jogador Rocco, do Palmeiras, mas o troca por Biagio, do time adversário, por causa do resultado no placar.

Brás, Bexiga e Barra Funda,

António de Alcântara Machado, editora Imago, RJ, 2005, 99 págs.

Foto: Divulgação

Clarice Lispector foi ‘devota’ da obra máxima de Hermann Hesse

Outro dia, lendo trechos ao acaso da mais importante biografia de Clarice Lispector, chamada ‘Uma vida que se conta’ (editora Edusp), escrita pela professora de literatura na USP Nádia Battella Gotlib ao longo de 20 anos de pesquisa, encontrei o que para mim representou um pequeno tesouro, umas poucas páginas sobre influências literárias de Clarice na juventude, destacando as marcas deixadas pelo romance ‘O lobo da estepe’, do escritor alemão naturalizado suíço Hermann Hesse (1877-1962).

Chamo essa história de ‘pequeno tesouro’ porque ela é um dos primeiros atos na formação da grande escritora, apontando o caminho que seria seguido, seu rumo literário. A professora Nádia resgata uma entrevista de Clarice a Leo Gilson Ribeiro, do Jornal da Tarde, em fevereiro de 1969, em que afirma: “Depois desse livro, adquiri confiança daquilo que deveria ser, como queria ser e o que deveria fazer”.

Em resposta a uma pergunta do escritor Affonso Romano de Sant’Anna sobre a influência de Hesse, Clarice disse: “Isso eu li aos 13 anos, me deu uma febre danada”.  E na crônica ‘O Primeiro Livro de Cada uma de Minhas Vidas’, Clarice indica a razão de seu encanto: “E eu, que já escrevia pequenos contos, dos treze aos catorze anos fui germinada por Hermann Hesse e comecei a escrever um longo conto imitando-o: a viagem interior me fascinava. Eu havia entrado em contato com a grande literatura”.

‘O lobo da estepe’ é a obra mais conhecida de Hesse, lançada no período entre guerras, em 1927, em um momento político na Europa em que o senso comum cultuava a guerra, algo a que Hesse se opõe frontalmente, atacando os valores da pequena burguesia na trajetória de lobo da estepe de Harry Haller, o protagonista da história.

O livro começa como um mergulho no mundo interior de Haller, um intelectual ligado às artes, à literatura e ao jornalismo. Depressivo e com tendência ao suicídio, Haller alimenta uma visão marginal do mundo, sempre contra a corrente predominante de pensamento, contra a hipocrisia e os falsos valores. O lobo da estepe é a figura de ‘outro’ no mundo interior de Haller, um duplo de sua personalidade, uma força que se manifesta fora do domínio da consciência.

A maneira como Hesse investiga a personalidade de Haller indica que na verdade o escritor está em busca de algum conhecimento para a alma humana, esse ‘objeto’ que é incerto e escapa dos domínios da ciência. É por essa razão, aliás, que o romance é também um texto de cunho psicanalítico, em que Hesse deixa patente a influência da obra de Sigmund Freud (1856-1939), o pai da psicanálise. Ao mergulhar no romance, o leitor percebe que a personalidade é uma multiplicidade de personagens e o lobo da estepe é apenas um deles.

O lobo da estepe,

Hermann Hesse, tradução de Ivo Barroso, editora BestBolso, 2009, 252 págs., R$ 14,90.

Foto: Divulgação

Moore no festival de cinema de Veneza, em 2009

As histórias que incomodam os poderosos e a opinião dominante nos Estados Unidos estão mais uma vez no alvo do cineasta e jornalista Michael Moore, com o lançamento da autobiografia ‘Adoro problemas – histórias da minha vida’. Esse é o sexto livro de Moore, mas seu verdadeiro sucesso no Brasil ocorreu no cinema com documentários como ‘Tiros em Columbine’ (2002) e ‘Fahrenheit 11 de setembro’ (2004).

O livro resgata momentos da infância de Moore e ao mesmo tempo faz uma releitura dos episódios polêmicos, das enrascadas em que ele se meteu por conta de uma postura crítica incontida, que o tornou emblema da desobediência civil. Seus temas são questões que para a grande mídia parecem ‘normais’: as fraudes eleitorais que levaram George W. Bush à presidência, a ganância das multinacionais, os abusos dos planos de saúde, a irresponsabilidade de governos e empresas no trato do meio ambiente e tantos outros que se escondem sob o tapete do senso comum.

Moore reúne 24 crônicas, e como sua especialidade é mudar o ponto de vista das coisas o volume começa com o epílogo, um relato sobre a repercussão de sua atuação na noite do Oscar, quando recebeu a estatueta pela direção de ‘Tiros em Columbine’. Era março de 2003 e naquele momento os Estados Unidos invadiam o Iraque, com 70% de aprovação popular.

Em um ato de desatino, Moore usou então o discurso do prêmio para protestar contra a guerra e sua participação no Oscar virou um pandemônio. Um desejo de matar Moore se espalhou pelo país: “Estou pensando no assassinato de Michael Moore, e me pergunto se eu mesmo posso matá-lo ou se preciso contratar alguém para fazer isso…”, afirmou na TV Glenn Beck, comentarista conservador do canal Fox News.

Ao desbravar as páginas de ‘Adoro problemas’, o leitor perceberá que Moore foi modelado desde a infância para ser alguém politizado e crítico, sobretudo porque pertence a uma família de operários no Michigan, Norte do país, que prezava a história, os livros, a cultura e a luta pelas causas sociais.

É como se Moore assumisse o legado do poeta e escritor inglês D. H. Lawrence (1885-1930), quer era voltado a temas controversos. Moore cita uma frase célebre do escritor, que mexe com a identidade de seu povo: “A alma americana essencial é dura, isolada, estoica e assassina”.

O exercício de Moore, escrevendo ou filmando, é assim o de revelar essa alma que se esconde em uma cultura de valores absolutos. Ao navegar contra a corrente, Moore torna-se um personagem de si mesmo, e também uma espécie de terapeuta indesejado, cuja presença frequentemente é motivo para manifestação de histeria, já que tantas vezes ele é reconhecido publicamente em situações em que as pessoas o rejeitam.

Adoro problemas – histórias da minha vida,

Michael Moore, tradução de Carlos Szlak, editora Leya/Lua de Papel, SP, 2011, 344 págs.

Foto: Nicolas Genin/Divulgação

Rubem Alves: inspiração para despertar novos conhecimentos no leitor

As palavras têm poder mágico. Mas isso não é mera força de expressão. É algo que acontece na realidade. As palavras que a mãe dirige ao filho, por exemplo, podem marcá-lo por toda a vida. Na religião, espera-se que elas conduzam a ação do sujeito, sem o quê não haveria razão para rezar. Os efeitos que as palavras provocam no ser humano têm a ver com ‘transformação’.

“O poder das palavras não está nelas mesmas. Está no jeito como as lemos”, afirma o escritor e psicanalista Rubem Alves, no livro ‘Palavras para desatar nós’, uma reunião de 48 crônicas publicadas em jornais, revistas e na internet, lançada este mês.

Alves é autor de mais de 50 títulos, incluindo livros infantis e sobre educação. Na nova obra, agradou a leveza com que ele trata de temas que o público toma por áridos, difíceis, como psicanálise, filosofia, obras clássicas como a ‘Odisseia’, de Homero, ou ainda os sentimentos mais escondidos, como a inveja e o medo da morte.

As crônicas de Alves representam a procura de uma conversa na qual o leitor possa descobrir algo novo sobre si mesmo – daí o sentido do título – e por isso têm um caráter de franqueza: “As pessoas que me procuraram nos anos em que exerci a psicanálise eram todas diferentes e tinham queixas diferentes. Mas debaixo das múltiplas pequenas queixas havia uma única grande queixa: queriam ter alegria”.

Ou ainda: “O que escrevo é melhor do que eu. Finjo ser um outro. O texto é mais bonito que o escritor”, afirma ele para desmascarar o mito de que o escritor é parecido com sua obra.  Ele faz isso resgatando a história de um encontro marcado entre Fernando Pessoa e Cecília Meireles, ao qual Pessoa não compareceu, enviando um mensageiro com uma desculpa esfarrapada. Alves encontra a razão do desencontro no texto ‘Livro do Desassossego’, assinado pelo heterônimo Bernardo Soares, onde afirma: “Nunca pude admirar um poeta que me foi possível ver”.

Os textos soam também como breves lições que nos fazem pensar. Na pequena crônica ‘As lâmpadas e a inteligência’, ele brinca com a ideia quase banal de comparar as duas coisas. “As lâmpadas valem pelas cenas que iluminam. As inteligências valem pelas cenas que iluminam. Há inteligências de QI 200 que só iluminam esgotos e cemitérios”.

Outra ideia presente em Alves é que literatura e psicanálise são campos do conhecimento que se mantêm próximos, porque buscam um saber incerto sobre o mesmo objeto: os desejos e aflições da alma. “Os poetas sentem e sabem. A psicanálise explica. Somos viajantes mesmo quando não sonhamos. Viajamos sonhando, sem sair do lugar”.

Palavras para desatar nós,

Rubem Alves, editora Papirus, Campinas (SP), 2011, 176 págs.

Antonio Candido estudou a oralidade na formação da cultura

O poeta Ferreira Gullar escreveu na Folha de S.Paulo, em 4 de dezembro, um artigo com o título ‘Preconceito cultural’, no qual defendia a ideia de que hoje não faz sentido falar em literatura negra no País. A certa altura, no furor das palavras, o poeta ganhador do prêmio Jabuti, o principal da indústria do livro, afirmou:

“Falar de literatura brasileira negra não tem cabimento. Os negros, que para cá vieram na condição de escravos, não tinham literatura, já que essa manifestação não fazia parte de sua cultura. Consequentemente, foi aqui que tomaram conhecimento dela e, com os anos, passaram a cultivá-la”.

Essa afirmação provocou a resposta imediata do escritor Francisco Maciel, autor do romance ‘O primeiro dia do ano da peste’ (Estação Liberdade, 2001), que lembrou que a literatura não se limita apenas ao que está escrito, mas é uma expressão que surge, antes de tudo, com a fala e, assim, com as histórias orais.

Maciel citou o livro ‘Literatura e Afrodescendência no Brasil: antologia crítica-Os precursores’, organizado por Eduardo de Assis Duarte (editora da UFMG, 2011), para defender a ideia de que os negros sempre tiveram sim sua literatura, como qualquer povo, qualquer grupo social, pois o que parece inegável é que a arte é algo estritamente ‘humano’. Esse livro analisa, por exemplo, a questão dos contos da cultura nagô, que surgiram da tradição oral.

Não faltam exemplos de estudos sobre oralidade e literatura e talvez Gullar tenha sido traído pelo esquecimento ao destilar seu preconceito, quem sabe gozando com o fato de se alinhar ao culto do conservadorismo – isso é uma coisa que a fama tem feito com as pessoas.

O professor de literatura francesa na Universidade de Paris Jean Bellemin-Noël afirma no livro ‘Psicanálise e Literatura’ (editora Cultrix, 1983): “Em suma, é só com alguma coisa como literatura (mesmo que tenha sido oral nas eras e civilizações sem escrita) que o homem se interroga sobre si mesmo, sobre seu destino cósmico, sua história, seu funcionamento social e mental”.

Parece claro que onde houver uma indagação, uma projeção de ideia, uma construção com palavras, escritas ou não, mas com riqueza de sentidos, haverá literatura. A oralidade é algo fundamental na cultura brasileira, porque foi um instrumento da formação do nosso povo.

O professor Antonio Candido conta no livro ‘Literatura e Sociedade’ (Companhia Editora Nacional, 1975) que na época do Império no Brasil, no século 19, a verdadeira difusão das obras literárias se dava por meio da fala. “A ação dos pregadores, dos conferencistas de academia, dos glosadores de mote, dos oradores nas comemorações, dos recitadores de toda hora, correspondia a uma sociedade de iletrados, analfabetos ou pouco afeitos à leitura. Deste modo formou-se, dispensando o intermédio da página impressa, um público de auditores, muito maior do que se dependesse dela e favorecendo, ou mesmo requerendo no escritor certas características de facilidade e ênfase, certo ritmo oratório que passou a timbre de boa literatura e prejudicou entre nós a formação de um estilo realmente escrito para ser lido”.

Talvez a receptividade que o brasileiro tem com a telenovela se explique em parte por esse viés histórico, essa identidade quase compulsória com a obra falada, que se afirma na falta do preparo para as letras. Formar leitores, sobretudo com espírito crítico, ainda é um desafio para escritores e educadores no País.

(Foto: www.imagens.usp.br)

Machado defende um ensino consciente de sua missão de formar cidadãos

O ensino médio é uma época em que o aluno praticamente só pensa no vestibular e essa é mais uma das distorções que assolam a educação no País. Claro que entrar na universidade é importante, mas a necessidade de adquirir conhecimento para a vida, tão nobre quanto alçar o ensino superior, chega a ficar esquecida pelo aluno e seus pais.

“O telos [objetivo] do Ensino Médio deve ser uma formação pessoal densa, que equilibre capacidades de expressão de si e de compreensão do outro”, afirma o professor da faculdade de educação da USP Nílson José Machado, que reflete sobre essa e outras questões relacionadas ao exercício da cidadania no livro ‘Educação: microensaios em mil toques’, que chega ao terceiro volume.

Em formato pequeno, o livro reúne 64 textos que abordam também questões de filosofia, ética, política, linguagem, literatura, enfim, temas relacionados a humanidades, que podem contribuir para o conhecimento do leitor em busca de mais compreensão de seu papel na sociedade.

A maioria das ideias compiladas por Machado teve origem em encontros semanais realizados desde 1997 na Cidade Universitária. Esses seminários são voltados para temas amplos sobre educação, livres de avaliação e abertos ao público.

A publicação tem um caráter lúdico para demarcar na forma o exercício do livre pensar de suas ideias. Além dos mil toques, o autor adotou um gráfico de tabuleiro de jogo, que sempre fica na página à esquerda, indicando os números dos outros textos que estão relacionados ao tema em questão.

O ensino com uma abordagem mais consciente é urgente para que a sociedade brasileira avance na conquista de um País mais justo. O educador da Unicamp Rubem Alves deu uma entrevista para a revista Cult deste mês, em que também reclama do problema: “Os pais são os maiores inimigos da educação porque não sabem o que ela é. Acham que é preparar para os exames. E aí você elimina a poesia, as artes, tudo aquilo que faz parte da verdadeira educação, mas que é eliminado pelos próprios exames”.

Educação: microensaios em mil toques – vol. III,

Nílson José Machado, editora Escrituras, SP, 2011, 144 págs., R$ 14,90

Democracia corintiana nas livrarias

A editora Boitempo relança na próxima quarta-feira o livro ‘Democracia corintiana: a utopia em jogo’, de autoria do ex-jogador Sócrates, que faleceu no dia 4 de dezembro, e do jornalista Ricardo Gozzi. O livro, ilustrado com fotos de Sócrates e da equipe, relata a experiência dos jogadores no início dos anos 80, quando as decisões do clube passaram a ser respaldadas por eleições. Sócrates foi um dos líderes do movimento. A edição original, que está esgotada, foi lançada em 2002. A versão em e-book da nova edição já está disponível.

Uma dona de casa de classe média alta despede a empregada. Depois, ao fazer a limpeza do quarto de sua ex-assistente, ela se depara com um desenho a carvão na parede, que mostra um homem, uma mulher e um cão. Intrigada com a significação do desenho, a mulher começa então a procurar sinais do que se passara ali durante os seis meses em que mantivera a empregada. Ela abre o armário e encontra uma barata já prestes a sair, mas a divide em dois, golpeando com a porta. O líquido branco do interior da barata começa a escorrer.

Clarice: sentido purificador na consciência da matéria viva

Chocada com essa experiência, a mulher mergulha em uma crise de identidade até que prova o sabor da gosma do inseto, representando nesse ato a morte e o amor.  A partir daí, ela experimenta uma transformação, um renascimento, como que num paralelo da paixão de Cristo, que a torna mais consciente de si, de suas limitações e da importância do outro na vida de cada um.

Esse é o roteiro de ‘A paixão segundo G.H.’, de 1964, obra fundamental de Clarice Lispector, que voltará à  tona nos próximos dias, já que a escritora será homenageada pela VI Festa Literária Internacional de Pernambuco (Pliporto), que se realizará em Olinda de 12 a 15 de novembro e poderá ser acompanhada pela internet.

Nas palavras de Clarice, o calvário de G.H. adquire o caráter de uma experiência universal – a transformação causada pelo contato com a gosma é só uma possibilidade entre tantas outras que levam ao mesmo efeito, porque são experiências de contato com o poder do ‘real’, ou da morte. Isso é o que acontece, por exemplo, com pessoas que saem ilesas de acidentes, que chegam perto da morte. Os grupos indígenas e urbanos que bebem ayahuasca também procuram contato com as representações da morte para alcançar seus efeitos transformadores.

A interação com o que Clarice chama de “coisa viva” é uma forma de se destacar do senso comum, ou da zona de conforto que cada um de nós constrói para se sentir dominando o mundo. Essa é uma ilusão da civilização, uma consciência limitada, que encobre o que de fato move a vida. Clarice sai em busca do conhecimento do ser, de suas raízes fora do mundo organizado pelos sentidos dados pela linguagem.

No texto, a escritora faz referência ao esgotamento da linguagem, ao deserto de sentidos que significa a experiência de comer a matéria viva. Para G.H., o deserto é um lugar onde não queremos estar e que está escondido sob a nossa humanidade. “Ao me ter humanizado, eu me havia livrado do deserto”, escreve.

O escritor e crítico Assis Brasil destaca que o processo de Clarice no livro é filosófico, e tem um caráter existencialista. “Comer a barata tem o sentido duplo de comer a essência e de flagelação”, afirma, encontrando nesse ato um processo de purificação que se desenvolve em torno da revelação de uma ideia.

Veja como G.H. se sente nos momentos preliminares ao grande ato: “Mas meu medo não era de quem estivesse indo para a loucura, e sim para uma verdade – meu medo era o de ter uma verdade que eu viesse a não querer, uma verdade infamante que me fizesse rastejar e ser do nível da barata”.

Ou então neste trecho:

“A vida pré-humana divina é de uma atualidade que queima.

Vou te dizer: é que eu estava com medo de uma certa alegria cega e já feroz que começava a me tomar. E a me perder.

A alegria de perder-se é uma alegria de sabá. Perder-se é um achar-se perigoso. Eu estava experimentando naquele deserto o fogo das coisas: e era um fogo neutro. Eu estava vivendo da tessitura que as coisas são feitas.  E era um inferno, aquele, porque naquele mundo que eu vivia não existe piedade nem esperança.

Eu entrara na orgia do sabá. Agora sei o que se faz no escuro das montanhas em noites de orgia. Eu sei! Sei com horror: gozam-se as coisas. Frui-se a coisa de que são feitas as coisas – esta é a alegria crua da magia negra. Foi desse neutro que vivi – o neutro era o meu verdadeiro caldo de cultura. Eu ia avançando e sentia a alegria do inferno.”

A paixão segundo G.H., Clarice Lispector, editora Rocco, RJ, 2009, 179 págs.

Para se informar sobre a Fliporto: www.fliporto.net.

Foto: Cláudia Anduja/Reprodução